- Ты доволен, как развивается твоя карьера художника? Если можно это движение называть «карьерой». Вообще, на твой взгляд, художник Виталий Копачев работает по максимуму?

- Бывают периоды, когда работа идёт. Я рисую в основном серийно, и это требует своеобразного погружения. Одна работа тянет за собой следующую, сравниваю их между собой, ищу между ними контрасты и то, что их объединяет. То, что я рисовал предположим 20 лет назад вдруг «просыпается»,в каких то деталях или формах в новых работах, но конечно видоизменено и возможно заметно только мне. Поэтому какими бы разными не казались картины по времени их создания,»периоды»,все они пристраиваются в единый процесс. Я не замечаю этой большой дистанции, всё, как будто бы, делается одно за другим. Это своеобразная лестница, чем выше подымаешься, тем сложнее идти. Всё ранее сделанное кажется только подготовкой к какой то настоящей работе. Ничего в этом деле не ясно. Как создаётся настоящая гармония? Нужны разрывы ,паузы, сбои, пустоты, удары. Но в отличии от музыки моя работа связана со свойствами материалов. Краска сама по себе живая и убить её можно в два счёта, а можно сделать с ней живой организм, имеющий свою логику, как в абстрактной математике. То, что я делаю сегодня интересно только мне. Примерно я представляю масштабы своих абстрактных картин, суммируя от небольших работ до пятиметровых, сделанных за 30 лет. Назвать это карьерой? Скорее это непричастность ко всему. И к творчеству в частности. Это что-то другое. Мне кажется дело не в рисовании картин, а в том, что за этим всем существует. У абстракции есть возможность самостоятельного мышления. Картина может быть живой только тогда когда она живая, в независимости от наблюдателя (зрителя) и самого «автора».Если художник считает себя причастным к своему творчеству, то такой и есть карьерист.

-XIX век был в искусстве временем Темы и Образа. Великие художники разрабатывали однажды выбранную тему. Скажи, как ты думаешь сейчас проблема темы и образа актуальна? Лично для тебя?

-  Если Сезанн, Кандинский ещё пользовались реальными «образами», то с целью доведения их до «абсурда самовыражения». Джотто, Франческа, Ф.Грек были ещё близки к «источнику» и поэтому образ Бога был им понятен. Дальше пошло то, что в музеях - великие художники. Смотреть, мне лично сегодня, эти бесконечные иллюстрации трудно, хотя там много мастерства, которое утопает во множестве однообразий не имеющих никакой божественной сущности, кроме самого сюжета. Хороших исключений много - картины позднего Рембрандта, к примеру, и т.д. Портреты, натюрморты, пейзажи, сюжетные картины 20 века продолжили «великую традицию». Но, к примеру, А. Матисс, Р. Дюфи, Х. Сутин, А. Модильяни выдали невиданное совершенство, таких реальных гениев много. Далее Д. Поллок, Клиффорд Стил шли к абстрактному через Пикассо и Кандинского, но краска, позднее в их картинах, стала сама диктовать свои образы. Это заметил и Герхард Рихтер, в своём интервью он сказал, что картины умнее его. Наверное, в этом и есть смысл современной картины, абстракции и не абстракции.

- Для меня всегда имело значение в отношениях с художником – это человеческое начало. Я не могу общаться с людьми, у которых репутация замарана и которые и при личных встречах показали себя как некомильфо. Это, пожалуй, вопрос взаимоотношений с современниками: я знаю, что человек талантливый, но сволочь. Говорят, что таланту многое прощается. Ты готов прощать творческому человеку слабости и до какого предела?

-  Больше 28 лет по работе в Галерее А3 я общался, без преувеличения, с тысячей художников. В большинстве своём художники очень образованные люди. Всегда было так, что если человек так говорит, то такое и его творчество. Случалось общаться с людьми, которые говорили о своих картинах, что они лечат или могут убить. Но это было враньё. Хорошие художники глупостями не занимаются. Большинство - всё же серьёзно настроенные на работу люди. Другое дело, как это получается. Много открытых подражательств известным мастерам и даже плагиата. Бывает, этим занимаются внешне доброжелательные и в основном состоятельные художники, не скажу состоявшиеся.

- Ты доволен своей выставочной деятельность (своими выставками), ты можешь выставиться везде где бы хотел? Отличается ли выставочная деятельность в России и за ее пределами?

- Моя мечта это показать большую ретроспекцию своих работ, что бы самому понять ,как это развивается и куда движется. Можно конечно продолжать показывать серии малых форматов ,на не больших выставках, но это дело другое, тоже понятное и нужное. Быть довольным своей выставочной деятельностью в России и за рубежом не возможно. Это практически отсутствие такой практики. В Москве, в этом направлении, что-то меняется к лучшему, но пока отставание от запада огромное, полувековое. Бывают «прорывы», на отдельных выставочных площадках, когда то это было в конце 80-х в ЦДХ, но быстро закончилось. Сейчас проходим этапы ярмарок или выставок воспоминаний. Нормальной, живой выставочной практике места в Москве очень мало. Где то она, до сих пор, в «андеграунде».

- Ты свободный художник, Виталий? Я в широком смысле этого слова спрашиваю о свободе.

- Моя свобода -это пустота и одиночество. Только рисование. «Сегодня и завтра» меня трудно увлечь чем-то другим. Поэтому то, что я нарисовал, делает меня свободным и вселяет в душу спокойствие. Мне кажется, что излишне нервничают и суетятся те художники, которые имитируют творчество.

- Какие мысли тебя волнуют сегодня? Чтобы ты хотел воплотить в данный момент? Как тебя кажется, что самое главное в нашем времени, заслуживающее фиксации? Тебе – художнику – заметны приметы нашего времени, начала XXI века?

- «Люди думают, что время идёт, а время думает»…… Именно об этом я и думаю. В картинах хотелось бы добиться присутствия времени. Что бы её можно было долго смотреть, вращаться в ней. «Новая жизнь» -это всегда интересно. Картина конечно не икона, но делать её нужно в схожих целях.

- У тебя наметился новый творческий всплеск. Скажи, есть какая-то закономерность: когда происходят у художников всплески творческой активности и с чем они связаны?

- Это вообще не объяснимое явление. Бывает, что всё получается и какое-то продолжение делания картины губительно для неё, а бывает, что всё не то и вдруг приходит не ожидание решение и чудо происходит, картина оживает и это явно видно. Тогда ты сам испытываешь удивление и даже шок.

- Ты работал по заказу, за деньги? Если у тебя такие опыты были, расскажи, как они тебе сегодня видятся и кажутся?

- По заказу не работал, думаю это можно делать при огромном опыте. Иначе будет халтура, как такое «творчество» и называлось в советский период.

- В России есть адекватные, не ангажированный и не купленные искусствоведы?

- Конечно есть хорошие искусствоведы и критики. Другое дело, что их количество теряется в массе случайных людей, которые «втёрлись в среду», сами её не создают и не развивают.

- Виталий, тебе еще интересно рисовать?

- Мне всегда интересно заниматься рисованием картин. Правильный вопрос! Писать картины - это для вечных школьников.

Записал Алексей Шульгин.

Виталий Копачев – феномен современного русского искусства, один из и ныне работающих культурных столпов, художник, умеющий подчинять действительность своим творческим целям, уникальный колорист и символист

 Есть художник, чьё место и роль в современном русском искусстве оценены поверхностно. Кажется – о нем пишут, имя его на слуху, фотографии регулярно мелькают в изданиях и социальных сетях, но веского, подлинного слова о нем, пожалуй, не сказано.

 Художник Виталий Копачев – уникальное явление в мире искусства. Не выпячивающийся, не дутый, не прикрывающийся водопадами словес – он Мастер, труженик, посвящающий время своего земного существования творчеству. Каждый божий день – диалог. Чистый лист, Копачев… Его работы, как и сама личность, притягательны, обладают особым магнетизмом. К ним (работам) и к Виталию Копачеву тянутся люди (не знаю, чего зрителям хочется больше – посмотреть картины или побеседовать с художником). Это волнительно, трогательно: сейчас так устаешь от пустопорожних однодневок, наглых выскочек, болтунов и хамов. Прежде, чем занять свое место в искусстве, Виталий Копачев прошел извилистый жизненный путь, как редкое дарование – «нащупал», постепенно выработал свой узнаваемый стиль, а уже затем, как хозяин, занял место в культурном пространстве.

 Кто видел ранние работы художника, понимает, что он, в какой-то мере, неосознанно, пожертвовал реалистом в себе. Мощная, своеобразная цветоносная живопись раннего Копачева фактурна, выверена и доходчива для восприятия как неискушенного зрителя, так и капризного ценителя. Его натюрморты при всей их простоте скорее метафизичны. Уже в работах 80-х годов ощутима авторская работа с цветом, эксперименты с тонами и полутонами: картина живет таинственной жизнью, в разное время суток, при разном освещении она неузнаваемо преображается. Появляются многоплановость, сюжет, допустим, натюрморта с тремя рыбами, у другого мастера банальный – развивается в андерсеновскую сказку: за объектом возникает бездонная цветовая пропасть, суть которой зритель волен трактовать, как ему заблагорассудится. Ранняя живопись Виталия Копачева экспрессивна, тяготеет  к лучшим образцам европейской школы, чем-то близка узкому кругу мастеров первого русского авангарда, но при всем при этом сугубо личностна, уже узнаваема, - это авторские опыты, за которыми чувствуется присутствие незаурядного таланта.

 Прошло время, прежде чем, зритель увидел копачевские симфонии – цветовые, фигуративные – плод – титанического труда. Атом созидания, через хаос и нагромождение к гармонии, иероглифическая живопись, закодированные месседжи… Копачева назвали Хлебниковым живописи – это красиво, но, на мой взгляд, сути не отражает, гений гению – не костыль. Лаконичный и мудрый, немногословный, но каждый звук доходит до сердца – Басе.

 Вот причуда знатока!
 На цветок без аромата
 Опустился мотылёк.

 Стоит ли Копачева относить к какому-то конкретному течению? Ведь можно в его работах нащупать что-то из авангарда, концептуализма, беспредметного, экзистенциализма, модернизма, импрессионизма, реализма и еще десятков измов. Так стоит ли художника пробировать, как ювелирное изделие? Не стоит. Это преступление – навесить ярлык.

 Виталий Копачев - художник цвета, тайнописец, подобно египетским мастерам, шифрующий в своих картинах символы, знаки. Его образное мышление оригинально, архетипично. Это копачевский парадокс:  художник конкретного мгновения, сегодняшнего дня, современности – он глубоко, в лучшем смысле, традиционен. Многие не обращают внимания, что автор энциклопедически образован, мало кому доводилось слышать его рассуждения об искусстве, а это – лекции, да еще и с практическими рекомендациями, - подобные тем, что во времена оно читал Александр Бенуа.

 Для многих незаметно Виталий Копачев давно уже вышел на европейский, мировой уровень, став предметом дискуссий и коллекционирования в разных точках земного шара. Его умение работать серийно, говорит о высоком уровне профессионализма, нацеленности на результат, умении решать сложные тематическо-образные задачи.

 Для меня важно, что это еще и человек с большой и живой душой, открытый для людей и чужих проблем. Директор московской галереи А3, он сделал все, чтобы поддержать десятки начинающих художников (многие из которых сегодня известны и обласканы), возродить и отдать должную славу забытым старым мастерам. На нервном, ответственном и неблагодарном посту он сделал весьма много для процветания русской художественной культуры, часто в ущерб себе, как художнику.

В какой-то мере с сожалением отмечу, что масштаб творческой личности Виталия Копачева не до конца осознан современниками. Что ж… Уверен – его роль в искусстве с годами будут только возрастать, влияние и авторитет благотворно действовать на молодых художников, а новые работы по мощи, таланту, проникновению и чувственности продолжат копачевскую линию.

Алексей Шульгин